Lignes directrices de base de la chorégraphie pour le ballet

Lorsque vous décidez de chorégraphier vos propres ballets, vous avez la liberté d'expression totale pour votre chorégraphie. Et voilà comme il se doit. Mais les artistes de toutes sortes ont constaté qu'ils fleurissent mieux quand ils soumettent volontairement à certaines limitations. La série de gestes de ballet, par exemple, est une "limitation" qui définit en quelque sorte l'imagination des plus grands chorégraphes de ballet libre.

Les idées contenues dans les sections suivantes, extraites de siècles de grande chorégraphie, vous donnent un cadre pour votre liberté, un véhicule pour votre propre vision artistique. Toutes les formes d'expression sont valables - mais ces idées peuvent vous aider à démarrer avec succès.

Trouver votre inspiration - la musique ou le thème

Ce qui rend un chorégraphe veulent créer une danse particulière en premier lieu? La plupart des chorégraphes disent qu'ils sont généralement inspirés par l'une des deux choses: la musique ou le thème.

Lorsque vous entendez un certain morceau de musique, vous êtes emporté dans un tourbillon extatique? Ne couleurs et des formes et des mouvements eux-mêmes suggèrent immédiatement pour vous? Vous êtes perdu dans le temps et l'espace? Si oui, nous savons un bon médecin qui peut vous aider. Mais à défaut, la pièce sonne comme un bon candidat pour la chorégraphie.

Si il ya une règle de base de la chorégraphie, il est ceci: Les gestes doivent en quelque sorte le reflet de la musique. Ce qui distingue les chorégraphes succès en dehors est que leurs gestes incarnent la musique magnifiquement, comme si chaque phrase musicale avait été écrite juste pour eux.

Un exemple la plupart des gens peuvent visualiser est la danse de la fée Dragée de Casse-noisette. Comme le célesta commence à jouer ses tons tinkly, la ballerine danse, de petites étapes agiles délicates, semblant voltiger à travers la scène. Bien que différents chorégraphes peuvent ont mis différentes étapes de cette musique au fil des ans, la quasi-totalité d'entre eux ont essayé de créer quelque chose de manière appropriée délicate.

Vous aimeriez savoir que dans le monde professionnel, chaque minute de danse sur scène est le résultat d'environ deux heures de la chorégraphie et de la répétition. Mais bon, ne vous laissez pas cela vous arrêter.

Une autre forme d'inspiration est la nécessité de raconter une histoire. Raconter une histoire est l'un de nos plus anciens passe-temps, et de la danse a toujours servir à cette fin. Est-ce une certaine histoire appelle à vous, tout simplement soit sa taille être exprimée en quelque sorte? Alors pourquoi ne pas faire que la base pour une danse?

Lorsque raconter une histoire de la danse, d'abord décider si vous voulez créer un récit simple, du début à la fin, ou quelque chose de plus complexe.

Disons, par exemple, que votre thème est l'histoire de Hansel et Gretel. Il suffit de penser de tous les moyens que vous pourriez raconter cette histoire. Vous pouvez opter pour l'approche linéaire, montrant Hansel et Gretel errance à travers la forêt, laissant tomber la chapelure, se perdre, se passe sur une maison de bonbons, et se engraissé. Ou vous pourriez commencer à la fin de l'histoire, avec les enfants sautant à perdre haleine sur scène pour vous dire ce qu'ils viennent de vivre.

Ou, votre danse pourrait simplement se concentrer sur le caractère à un moment donné dans une histoire. Comment la méchante sorcière sentir quand les enfants cuire son vivant? Peut-être qu'elle pourrait faire une danse interprétative à nous le faire savoir. Cette expression d'un instant dans le temps, télescopé pour montrer le poids émotionnel qu'elle contient, est la base de 99 pour cent de tous les poèmes, des airs d'opéra et des chansons populaires - et il travaille pour la danse ainsi.

Savoir comment vous voulez regarder la chorégraphie

Grands chorégraphes parlent presque toujours à propos de leur «vision» de leur travail. Chorégraphes sont fiers de leurs visions et de vous en parler jusqu'à ce que vous leur demandez d'arrêter.

Littéralement, chorégraphes créent une image de la danse dans leurs esprits avant d'attaquer les choses sérieuses de la chorégraphie. Si oui ou non ils envisagent les étapes réelles au premier abord, ils peuvent imaginer le "look" d'ensemble de la pièce. De là, ils peuvent commencer à choisir les mesures qui conviennent le mieux à cette vision.

La vision peut inclure costumes, ensemble, et des conceptions d'éclairage - bien que dans le monde professionnel, les concepteurs spéciales sont embauchés pour étoffer les détails de cette partie de la vision.

À partir de cette vision interne, chorégraphes, puis d'écrire leurs idées en utilisant notation de la danse - ou tout simplement danser eux-mêmes sur la bande vidéo.

Développer un vocabulaire pour la danse

La même étape de base peut être dansé dans de nombreuses façons différentes. Ainsi, lorsque vous chorégraphier une pièce, vous avez un nombre presque infini d'étapes à choisir. La vocabulaire de la danse se réfère à des gestes et des mouvements particuliers que vous choisir à utiliser - ceux qui semblent refléter votre propre personnage et faites-vous votre style personnel.

L'ordre dans lequel vous mettez les étapes est important, aussi. Les mesures doivent semblent découler d'une à l'autre. Par exemple, un arabesque semble bon quand elle est suivie par un failli. Mais il semble mauvais suivi d'un backflip. Vous vous sentez juste ces choses.

Après avoir commencé à expérimenter avec différentes séquences, vous êtes susceptible de trouver certains qui se sentent juste pour vous. Lorsque cela se produit, vous pouvez répéter ces séquences encore et encore - créant ainsi un vocabulaire que vous pouvez appeler votre propre. George Balanchine, par exemple, était célèbre pour la suite d'une saut dans arabesque avec un jet. Ce fut sa marque - tout comme Bob Fosse fait un nom pour lui-même avec des chapeaux melon et se tourna dans les jambes (aussi connu comme les orteils de pigeon - pense Cabaret).

Utilisation de votre espace de danse pleine

Voici une autre règle utile pour chorégraphier votre propre travail: Utiliser le montant total de l'espace qui est disponible. À la fin de la danse, tous les domaines de la scène aurait été renforcée sur au moins une fois.

Vous devriez même envisager d'utiliser des domaines non traditionnels - où vous souhaitez ne pense jamais à la danse. Escaliers, couloirs, rampes, et d'autres niveaux de plancher viennent à l'esprit. (Ou flaques - comme Gene Kelly découverts dans Chantons sous la pluie.) L'inattendu est souvent là où se trouve le plus d'inspiration.

En couvrant votre espace, nous vous suggérons de faire varier la forme de votre danse. Si vous commencez avec un mouvement sur une diagonal- puis essayer d'ajouter un motif circulaire tard. Ou vice versa. Étirez votre imagination - et de garder votre public sur leurs orteils.

Mettre fin à la danse comme vous avez commencé

Une façon de rendre une danse sentir artistiquement tout est de «la boucle est bouclée." Et une façon d'accomplir ceci est en commençant et se terminant dans la danse avec la même pose.

Une version encore plus avancée de cette technique est de mettre fin dans un peu «évolué» version de la position de départ. Par exemple, si la danse est un duo, envisager de passer les pièces à la fin, de sorte que la femme finit comme l'homme a commencé, et vice versa.

Cette technique donne de la danse un sentiment d'accomplissement, et il peut parfois être assez poignant et émouvant. Qui sait - vous pouvez avoir votre public en larmes. Dans le bon sens.